In 2003 Carmen Brucic was invited by Christoph Schlingensief to accompany him on a research trip for his Bayreuth "Parsifal" production. Brucic tells of this exotic search for clues to Parsifal in film sequences shot with a Nikon F2 35mm small-format camera. From Kathmandu to Bhaktapur via the Himalayan Mountains, Bangkok, Ko Samui, back to Bayreuth. 17 years later, these photographs not only recall fascinating cultural areas that were destroyed by the terrible earthquake in Nepal in 2015, they also provide a previously unknown insight into the work of Christoph Schlingensief.







Vienna 22. – 31.10.2020

as part of VIENNALE 2020



INNSBRUCK 2.11.– 24. 12.2020

as part of IFFI – Internationales Film Festival Innsbruck 2020

MARCUS GEIGER WENN2 curated by Stefan Bidner

VIENNA January 18 – March 21, 2020



The MacGeiger of art



For decades, Marcus Geiger has produced and collected black-and-white photographs of his works, thus creating a unique kaleidoscope. The thirty-four “original copies” presented by Galerie Thoman mirror the essence of the artist’s oeuvre and grant insights into his creative process that is very much interwoven with his personality. Geiger is a precise sceptic with an equivocal intellect. At a first glance we find ourselves confronted with a traditional gallery exhibition, comprising thirty-four framed works. And already we have literally been taken in by the artist.



By designating black-and-white copies as originals, Geiger confuses the art consumer’s expectations. The idea still prevails that a copy is a sort of replacement of the original. In 1935, in his essay “Das Kunstwerk im Zeitalter seiner technischen Reproduzierbarkeit” (Engl. The Work of Art in the Age of Mechanical Reproduction), Walter Benjamin provided an explanation. The original, he claimed, was marked by its uniqueness, its aura, because it had first stood in a ritual context. From the latter it had gradually distanced itself. Its artistic value, and thus its exhibition value, had gradually come to the fore. In the process of reproducibility the observer’s gaze had accelerated and everything was heading towards a culture of diversion. Benjamin’s thesis refers to a media change from image to photograph or film. Geiger himself ignores all that by simply designating his pictures “original copies.” For the exhibition opening, the artist moreover has produced a bar, as it were, erected outside the gallery premises. Very significantly, he used pieces of waste timber he found in the gallery’s basement to build a fully functional counter, including embedded ashtrays.



The term bricolage (from French bricoler, Engl. to tinker, to fiddle), introduced into anthropology by Claude Lévi-Strauss in 1962, refers to a behaviour through which the actor (bricoleur) solves problems with the help of the resources available, instead of acquiring special means, specifically designed for the problem (cf. Wikipedia).



Classic examples of a bricoleur are the TV serial hero Angus MacGyver and the artist Marcus Geiger.



PS 1: The exhibition Marcus Geiger WENN2 celebrates a friendship between the artist Marcus Geiger and curator Stefan Bidner spanning twenty-five years.

PS 2: Special thanks to Klaus and Elisabeth Thoman.



Mag. Stefan Bidner





Marcus Geiger was born in Muri, Switzerland, in 1957. Between 1978 and 1982, he studied at the University of Fine Arts with Prof. Lois Egg in the master class for stage design. Since then, he has been living and working in Vienna. International recognition he mainly achieved through projects in urban and institutional spaces, altering their perception by laying bare suppressed, displaced or overseen connections and systems, for instance at the Manifesta 3 in Ljubljana, the Vienna Secession, the social housing project Brauerei Liesing in Vienna, or the 6th Berlin Biennale. His works have been exhibited, among other places, at Belvedere 21 in Vienna, Kunsthaus Zürich, Kunstverein München, Kunstmuseum St. Gallen, the BAWAG FOUNDATION and the Generali Foundation in Vienna. From 2010 to 2011, Geiger was visiting professor at the Academy of Fine Arts Prague.

MICHAEL KIENZER grau und farbig

07.06.2018 - 08.09.2018 VIENNA



Opening Thursday June 7 2018 7 p.m.

Michael Kienzer is present

Eröffnung Samstag 03. Februar 2018 12 Uhr



Mag.a Manuela Ammer, Kuratorin der Ausstellung im mumok, spricht zu Bruno Gironcoli

Samstag 24. Februar 2018 11 Uhr



Ich habe eher einen Klang gesucht, keine Abstraktion. Ich wollte ja nichts machen, was andere schon fertig gestellt haben; ich wollte meiner Welt begegnen und Fragen, die für mich noch ungeklärt sind, berühren. Ich habe wohl auch das verlorene Menschenbild gestalten wollen, ohne es dafür zu setzen. Bruno Gironcoli



mumok wien

BRUNO GIRONCOLI In der Arbeit schüchtern bleiben

Eröffnung 02.02.2018 19 Uhr

03.02. - 27.05.2018

Die Grundstimmung, das Grundgeräusch, der Sound meiner gesamten Arbeit setzt sich mit den Unzulänglichkeiten unseres Daseins auseinander – mit den unauflöslichen Konflikten mit uns selbst und dem damit verbundenen „schönen Scheitern“. Diese Wiederkehr des Immergleichen unter jeweils anderen Bedingungen verführt mich dazu, mich der Welt und meiner zu vergewissern, im poetischen Reflex und in immer anderen Bildern. Welt als Vorstellung. Bilder des Unsichtbaren. Es ist aber auch immer ein konzeptionelles und bildnerisches Aufbrechen überkommener Denk-und Bildvorstellungen. Als Duftstoff werden diesem bisweilen melancholischen Blick Humor und Ironie beigemischt.

Jürgen Klauke

In der für curated by_vienna 2017 konzipierten Ausstellung lässt Johannes Wohnseifer seine neuen Bilder, Objekte und Textarbeiten mit den Werken befreundeter Kunstschaffender in Dialog treten. Neben neuen Arbeiten der Installations- und Objektkünstlerin Alexandra Bircken trifft man in der Schau auf Albrecht Fuchs’ fotografische Portraits von bekannten Künstlerinnen und Künstlern, die in ihrem Schaffen das Thema Kunst und Sprache verhandeln. Darüber hinaus ist der deutsche Musiker Thomas Brinkmann zu einem Live-Konzert eingeladen.

Otto Zitko reflektiert in der neuen Ausstellung Blaue Lagune Eindrücke eines Island-Aufenthalts, die ihn tief inspirieren. Es ist kein malerischer Reisebericht, vielmehr spiegelt die Auswahl der Bilder Zitkos persönlichen Zugang zur Naturmystik Islands wider. Sie zeugen von der metaphorischen und doch ganz subjektiven - durchaus sexuell aufgeladenen - Auseinandersetzung mit jener Kraft, die schlussendlich zu einem wiederkehrenden Thema wurde. Über einen Zeitraum von mehr als 15 Jahren hat er die gezeigten Werke zusammengehalten, hat an manchen immer wieder weitergearbeitet und die Impressionen malerisch zugespitzt. Die Faszination an der Thematik hält an, so öffnet die Ausstellung Blaue Lagune den ersten Blick auf eine Werkgruppe eines nicht abgeschlossenen Zyklus.

Eröffnung und Buchpräsentation Samstag 4. Februar 2017 12 Uhr

Maria Brunner ist anwesend



Maria Brunner

Künstlerbuch

Hrsg. von Galerie Gisela Capitain, Galerie Elisabeth & Klaus Thoman

Text (dt./engl.) von Martin Prinzhorn, Elena Brugnano

130 S. mit 80 farbigen Abbildungen, davon 8 auf Transparentpapier

Format 27 x 21 cm, Leinen geprägt mit Schutzumschlag

ISBN 978-3-86442-177-8

EUR 39,80 (Preis während der Ausstellung EUR 30,-)

Wir feiern unser 5. Wiener Galerie Jubiläum und erlauben uns höflich einzuladen zur Ausstellung JOHN M ARMLEDER "FISH"

Eröffnung Samstag 5. November 2016 12 Uhr



John M Armleder ist anwesend



John M Armleder *1948 lebt und arbeitet in New York und Genf. Armleder, der Schweizer amerikanischer Muttersprache, spielt für die Entwicklung der internationalen Kunstpraxis der letzten fünfzig Jahre eine entscheidende Rolle. Wie kein anderer verbindet und transformiert er in seinem vielgestaltigen OEuvre die Bildwelten des 20. Und beginnenden 21. Jahrhunderts, historische Moderne und Massenkultur.



Mit der Edition SILVER FISH und GOLD FISH nimmt Armleder Bezug auf Gustav Klimt – wie schon in seiner Ausstellung in der Secession Wien 1993 - und schafft für die Ausstellung FISH unter anderem Furniture Sculptures mit Walter Pichlers legendärem Galaxy Chair und dem Sofa Cubus von Carl Auböck II.

Nach dem Kampf der Ökologiebewegung in den 1970er und 80er Jahren und dem Aufzeigen der „Grenzen des Wachstums“ führten der rasante (natur-)wissenschaftliche und technische Fortschritt in einer zunehmend globalisierten Welt zur größten gesellschaftlichen Umwälzung seit der industriellen Revolution. Vor dem Hintergrund der Standardsequenzierung der humanen DNA, der weitgehend freien Verfügbarkeit von Informationen und Bildern im Internet sowie der freiwilligen, gleichsam selbstverständlichen Preisgabe von Vertraulichem und Identitäten in den sozialen Medien wie Facebook, Instagram oder Snapchat wird das Private zum Öffentlichen. Der Mensch wurde zum gläsernen, mit Algorithmen ausgeleuchteten Wesen im engmaschigen Netz privater und staatlicher Überwachung.

Zunehmend orten Künstlerinnen und Künstler den Objektivierungswahn unserer Zeit und stellen den gehuldigten experimentellen Ansatz als vermutetes Gesetz in Frage. Sie setzen sich kritisch mit unserem auf Objektivierung und Naturgesetzgläubigkeit aufgebauten Denksystem vor der Bedeutungsverschiebung der postindustriellen Konsumgesellschaft auseinander. Die Grundauffassung von dem was Natur war und ist, hat sich markant verändert, da diese machbar und rekonstruierbar scheint, womit sich Mathias Kessler auseinandersetzt. Thomas Feuerstein geht einen Schritt weiter als Schöpfer eines neuen Moleküls, er wird der Kreator von Neo-Natur. Demgegenüber referenziert Dana Sherwood mit ihren von Tieren zerfressenen Torten den natürlichen Kreislauf in einem geschlossenen System, während Brandon Ballengée seine Arbeit als Umweltaktivist mit jener als Forscher und Künstler elegant verbindet. Günther Selichar verweist wiederum auf die Technik unseres neuen Bezugsystems, den neuen digitalen Grundfarben Grün, Rot und Blau und den Screens und Scannern, als selbstverständliche Schnittstellen zu unserer schönen, neuen Welt.

Die künstlerischen Projekte sind Hommage und Kritik, Bruch und Kontinuität mit der Naturwissenschaft wie auch der Kunstgeschichte. Obzwar die klassische Naturvorstellung, die Sehnsucht nach dem Unberührten, der experimentelle naturwissenschaftliche Ansatz und die Fortschrittsgläubigkeit die Grundlage dieser künstlerischen Praxen bilden und die Künstlerinnen und Künstler trotz Paradigmenwechsels diese zu adoptieren scheinen, transformieren und recodieren sie das als vorgegeben Vermutete.



Dieter Buchhart (*1971 in Wien), Kurator und Kunsttheoretiker, und Anna Karina Hofbauer (*1973 in Skælskør, Dänemark), Kuratorin und Kunstkritikerin, leben in Wien.

OSWALD OBERHUBER Werke 1948-1960 08.06.2016 – 27.08.2016 WIEN

Eröffnung Mittwoch 08. Juni 2016 18 – 21 Uhr



Es spricht Mag. Luisa Ziaja, Kuratorin 21er Haus Wien

Oswald Oberhuber ist anwesend



Ergänzend zu der viel beachteten Ausstellung Oswald Oberhuber, die noch bis 26.06.2016 im 21er Haus Wien zu sehen ist, präsentiert die Galerie Elisabeth & Klaus Thoman frühe Werke Oswald Oberhubers in der Seitengalerie in Wien. Der Künstler hatte nie Berührungsängste mit neuen, künstlerischen Ansätzen und schuf so ein Oeuvre, das von Vielfalt geprägt ist.

Die gezeigten Papierarbeiten, die größtenteils um 1948 entstanden sind, reflektieren Oberhubers intensive Auseinandersetzung mit der französischen Moderne. Seine Jugendjahre in Innsbruck deckten sich zeitlich und örtlich mit den Bemühungen des Institut Français, damals neue Ansätze in der Kunst zugänglich zu machen. Zahlreiche Ausstellungen mit Werken von Matisse bis Léger wurden ab 1946 in Innsbruck präsentiert und inspirierten auch den jungen Oswald Oberhuber, sich diesen Ideen zu stellen und sie weiterzuentwickeln. Seiner Scharfsinnigkeit Qualität zu erkennen und zu interpretieren, entspricht er schlussendlich auch mit seiner Fähigkeit sie in seinem eigenen Schaffen fortzuführen.

Auch seine informelle Plastik und Malerei spiegeln Oberhubers Verständnis für weltweite Entwicklungen, die er wie kaum ein anderer in sein Werk integrierte, wider. So zeugen Plastiken wie Leicht eine Dame oder Abdruck von dem Gedanken die Form aus dem Unterbewussten entstehen und sich vom Prinzip Zufall leiten zu lassen.

Seine Zahlenwerke lassen die Nummern als Form erkennen. Die Rechnungen sind rein formal und ästhetisch zu betrachten und verweisen auf keine eindeutige Aussage.

Oberhuber bewegt sich geschickt zwischen figuralen und abstrakten Elementen und gibt so Einblick in die Kunstgeschichte des 20. und 21. Jahrhunderts, der in Österreich einmalig ist. Oberhubers Forderung an seine eigene künstlerische Tätigkeit geht von der ständigen Neuerung aus und lehnt jegliche Form von Routine ab: Die permanente Veränderung ist meiner Meinung nach essentiell. Man muss immer wieder neu ansetzen, weil es eigentlich nichts gibt, was sich fortsetzt. Man kann nur abbrechen. Es ist völlig falsch, zu behaupten, es gebe eine Kontinuität, in der sich etwas entwickelt. Es gibt keine Entwicklung. Es gibt nur Höhepunkte in einer bestimmten Phase, und damit hat es sich.

Bereits in seinen frühen Arbeiten ist dieser Ansatz deutlich zu erkennen, weshalb sich die Galerie Elisabeth & Klaus Thoman den frühen Phasen des Künstlers widmet.

Es hat den Anschein, als würden die Bilder und Objekte von Julia Bornefeld im Unbestimmten bleiben. In vielen Fällen kann der Betrachter noch nicht einmal sicher sein, den dargestellten Gegenstand „richtig“ identifiziert zu haben. Zwischen Bild - in meinem Bildbegriff sind auch die Objekte eingeschlossen - und Betrachter scheint eine Art Unschärferelation zu bestehen. In Wirklichkeit handelt es sich aber nicht um eine Art Wahrnehmungstrübung, als wäre der Gegenstand des Kunstwerkes nur ungenau zu erkennen, sondern um eine Wahrnehmungsbestimmtheit, die nicht an die gegenständliche Wiedererkennung gebunden bleibt. (...) Die Nichtidentifizierbarkeit der dargestellten Gegenstände hat nicht zur Folge, dass sie unscharf bleiben. Sie entwickeln vielmehr die „Schärfe“ einer visionären Wahrnehmung, die sich von bloßer Wirklichkeitsidentifizierung abhebt.



Knut Nievers, Ausstellungskatalog Julia Bornefeld. Malerei und Objekte 1989 bis 1996, Stadtgalerie im Sophienhof, Kiel, 1996

In beiden Teilen der von Peter Weibel kuratierten Ausstellung GLOBALE ist Thomas Feuerstein, geboren 1968, mit je einer Installation vertreten: MANIFESTO und POEM. Seine vielbeachtete Ausstellungsreihe PSYCHOPROSA (2015) in der Taxisgalerie Innsbruck, im Kunstverein Heilbronn und vor allem im Frankfurter Kunstverein findet 2016 in erweiterter Form seine Fortsetzung im Chronos Art Center Shanghai. Kurator Zhang GA (New York, Shanghai) spricht von einem der essentiellsten aktuellen Beiträge zeitgenössischer Kunst. Aus dem wissenschaftlich empirischen Potential und weltgesellschaftlicher Realität schöpfend, entwickelt Thomas Feuerstein seine künstlerischen Erzählungen, Zukunftsentwürfe zwischen Dystopie und Utopie. Seine Ausstellungen funktionieren wie semantische Netze, die Fäden von Wirklichkeit aufnehmen und den Betrachter in Geschichten zwischen Fakt und Fiktion verstricken.

In THE WORLD - einer großformatigen Kohlezeichnung - schickt uns Thomas Feuerstein mit der größten Privatyacht der Welt als allegorischem Vehikel auf die Reise. Wie ein fliegender Holländer schwebt die Yacht über dem Ozean und navigiert uns durch die Ausstellung in der Galerie Elisabeth & Klaus Thoman Wien, hinein in das installative Ensemble aktueller Werke aus Zucker, Kohle, Cyanobakterien und Schleim: Grafiken, die vom zukünftigen, sich auflösenden Menschenbild erzählen, führen zur skulpturalen Schleiminstallation (ACCADEMIA DEI SECRETI), deren gläserne Apparaturen mit Fäden und dicken Tropfen des Schleims überzogen sind. Cyanobakterien (Blaualgen), die der Künstler immer wieder als Bedeutungsträger und Arbeitsmaterial verwendet, erzeugen auf Leinwänden Karten fiktiver Geografien und werden zum Tableau für Malerei. Alltagsobjekte, gehauen aus uralter Steinkohle, verwandeln sich in Fossilien. Die aus Zucker gebaute Skulptur LONG SWEET DIARY erinnert uns an die Rolle des Energielieferanten für unser Sprachwerk, das auch unser Bedeutungsspeicher ist.