Christina Zurfluh gründet ihre Malerei auf einander überlagernden Bildschichten und deren nachträglicher Bearbeitung. Diese Schichten können monochrom, oder auch geometrisch komponiert sein. Es sind in sich konsistente Einzelbilder, die jeweils trocknen müssen, um gleich danach mit der nächsten Bildlage überschichtet zu werden. Dabei werden Acrylfarben und rasch trocknende Lacke verwendet, die unterschiedlich aufeinander reagieren. Manche Farben verbinden sich problemlos und stabil, andere jedoch stoßen einander ab und bilden so tieferliegende potenzielle Bruchstellen, die während des Trocknens aufbrechen und die endgültige Werkform mitbestimmen. Die Künstlerin lenkt durch ihre Erfahrung diese Prozesse, sie provoziert damit bewusst das Aufplatzen der Bilder an bestimmten Stellen. Dies geschieht ebenso, wenn sie statt Farben verbindungsresistente Plastikfolien als Sollbruchstellen in ihre Farbschichtungen einlagert. In ihrem Notationssystem ist dann anstelle eines Farbegriffes eben ein horizontaler Strich als adäquates Zeichen zu finden. Nicht nur dieser Bildaufbau mit seiner modellierenden Komponente erinnert an bildhauerische Verfahren, sondern auch das Bearbeiten der getrockneten Schichten mit Hammer und Schleifpapier. Mit den Hammerschlägen wird ein grobes Bruchprofil erzeugt, das dann abgeschliffen wird. Das Schleifen erfolgt in Handarbeit unter Wasser, um nuancierter und kontrollierter als mit maschineller Hilfe mit den Schichten arbeiten zu können. Zurfluh schürft also in ihren mehrschichtig präparierten Gemälden nach dem letztlich sichtbaren Bild und verbindet dabei Konzeptuelles und Manuelles. Auch hält sie sich die Möglichkeit offen, die mechanisch erzeugten Reliefs nachträglich malerisch zu überarbeiten.

Malerei basiert hier auf einem Prozess des Aufbauens und Abtragens von Farbe, so als ob viele Bilder zum Verschwinden gebracht würden, um schließlich das jeweils eine Bild daraus zu generieren, dessen Inhalt sich nicht zuletzt in der Erfahrung der in der Werkproduktion angelegten Prozessualität sowie in der Spannung zwischen Kalkül und Zufall vermittelt. Jedes Bild enthält potenziell viele andere Bilder, die partiell durchscheinen und miteinander in Fläche und Raum verschränkt sind. Was als endgültiges Resultat sichtbar wird, erscheint wie die Momentaufnahme einer präzise gesteuerten Erosion von buchstäblicher Vielschichtigkeit und Lebendigkeit. ... Die Malereien zitieren eine Geschichte der Moderne, deren Illlusionismus sie desillusionieren und mit deren Tradition sie spielerisch brechen, indem sie sich auf die Geschichte konzeptueller und neoavantgardistischer Paradigmen beziehen.

(Aus Rainer Fuchs„ Notizen zur Orientierung “ Farbtagebuch, 2014 Christina Zurfluh)

Der Garten als Allegorie des Unterbewussten



Gärten fordern seit jeher unsere und die Phantasie vieler Künstler heraus. Als Orte der Poesie und Philosophie beschworen, sind sie Medium zur Gottes-, Welt- und Selbsterkenntnis. Dem Seelengarten, in dem Tugenden und gute Taten gedeihen schon immer unmittelbar benachbart: der Zaubergarten der Sinne und Lüste, in dem wie im ewigen Kreislauf der Natur praller Üppigkeit Vanitas und Vergehen folgt.

Gärten: Rückzugs- und Sehnsuchtsorte, bei uns gehegt von speziellen Gärtnern:

Madeleine Berkhemer / Carmen Calvo / Odonchimeg Davaadorj / Jan Fabre Lionel Favre / FERRO / Alfred Haberpointner / Markus Hofer / Anselma Murswiek / Dennis Oppenheim / Sandrine Pelletier / Bruno Peinado / Jaume Plensa / Bernardi Roig / Jose Maria Sicilia / Catalina Swinburn / Hans Staudacher / Barthelemy Toguo / Baltazar Torres / Iv Toshain / Sandra Vasquez de la Horra / Juan Usle / Bernard Venet / Jan Voss / Anastasiya Yarovenko / Christina Zurfluh



Sie alle lassen uns an den zwei Orten der Ausstellung: in der alten RESIDENZ und im nur zwanzig Gehminuten entfernt, direkt am Salzachufer liegenden

GALERIEHAUS und SCULPTURE GARDEN einen reizvollen Dialog zwischen der strengen, für das barocke Salzburg absolut solitären Bauhausarchitektur, Natur und Kunst erleben.

Jeden Samstag: „Meet the Artist“ – persönliches Begegnen, sich Austauschen, Treffen mit Freunden und Wohlfühlen im gastlichen Ambiente.

"The Times They Are A Changing" says Bruno PEINADO (*1970), currently one of the most respected artists in France.

In a playfull and unprejudiced way, he recaptures the lost paradises of childhood and overcomes thereby seemingly immovable boundaries and established conventions with great ease.



“The Times They Are A Changing” his new series of works, which we are presenting in Salzburg for the first time, is full of charming lightness and playful joy. Bright, friendly and delicate colors give us the feeling of a Mediterranean spring, its warmth and serenity.

It’s a little bit like accompanying Bruno PEINADO on a journey to the south and thereby following his reflection. Working with various formats and materials, Bruno PEINADO`s paintings are light and airy nevertheless they come up with some serious questions.

Bruno PEINADO sympathizes with the Japanese philosophy of "Wabi Sabi". "Wabi Sabi" allows us to accept the simplicity, the beauty of mistakes, of our aging and imperfection and helps us to get rid of the western way of materialism. Many of us have faced all this issues with a growing intensity during the past year. Instantly Bruno PEINADO puts formal structures, theoretical bases of painting and, moreover, essential philosophical theories up for discussion.

In any case, with "The Times They Are A Changing" he awakens one thing above all: the joy in looking at art; the joy of perception and the joy of discourse.

Because on the basis of Bruno PEINADO`s work it is perfectly possible to discuss the nature, the strength and the meaning of art.

FAVRE verbindet in seinen Arbeiten scheinbar extrem Gegensätzliches: sein Respekt vor der ku?hl ordnenden, analytischen Kraft des Ingenieurs verbindet sich mit der grenzenlosen Freiheit seiner mäandernden Phantasie. Sein „Wahnsinn“ hat Methode. Erst die Pflicht: das heißt das Objekte seiner Begierde, mu?hsam aufgestöbertes, frech erbeutetes oder aber einfach nur derelinquiertes Planmaterial wird von ihm akribisch restauriert. Ohne Lineal, mit freier Hand: Ehrensache. Dann die Ku?r: die Schleusen seiner Schatzkammer öffnen sich und ein wilder Mix autogamer Ideen und wildwuchernder Assoziationen - Lionels Welten – erobern und bevölkern das bislang spröde Terrain. Jeder Plan ist autonom und erfordert eigene Lösungen: Wissenschaft und Kunst in faszinierender Symbiose.



Lionel FAVRE begegnet Ihnen derzeit auch im SALZBURG MUSEUM bis 31. Oktober mit einem von ihm gestalteten Raum der Ausstellung „Das Große Welttheater“ aus Anlaß von „100 Jahre Salzburger Festspiele“.

Nach einer Vielzahl internationaler Projekte und "A Private Reality" vor einem Jahr, im Mai 2019 in unserer Galerie in Wien, konzentriert sich Markus HOFER (*1977) für seine aktuelle Einzelausstellung in Salzburg auf einen speziellen Aspekt der menschlichen Wahrnehmung.  



Im Zentrum steht dabei jener Prozess der visuellen Wahrnehmung, bei dem unser Gehirn durch Netzhaust und Sehnerv mit Informationen über im Raum sichtbare Objekte versorgt wird und diese  Objekte mit erinnerten, mit gemerkten Objekten, vergleicht. Nur bei Übereinstimmung unserer Erinnerung mit dem Gesehenen können wir ein Objekt erkennen und seine Funktion bestimmen.



Markus Hofer: "Mich fasziniert dieser Vorgang bei dem aufgrund sensorischer Informationen, visuelle Hypothesen aufgestellt werden. Wir können letztlich nichts wahrnehmen was wir nicht einordnen und klassifizieren können. Dieses Abgleichen und Lernen ist unerlässlich für unseren Geist. So können wir unsere Wirklichkeit erfinden." 



Mit der für Markus HOFER typischen Doppelbödigkeit und einem Sprachwitz, der die Betitelung der einzelnen Arbeiten zu einem integralen Bestandteil der Werke macht, führen seine Objekte unsere Erfahrung ad absurdum und fordern uns zu einem lustvollen, unvoreingenommenen und neuen Wahrnehmungsprozess auf.  

Artists in the exhibiton:



BALTAZAR TORRES / Jules BISSIER / Madeleine BERKHEMER / Herbert BRANDL / Tony CRAGG / Carmen CALVO



Jan FABRE / Jakob GASTEIGER / GIRBENT / Susy GOMEZ / Paolo GRASSINO / Alfred HABERPOINTNER / Bertram HASENAUER



Joan HERNANDEZ PIJUAN / Judith HUEMER / Rebecca HORN / Hubert KOSTNER / Catherine LEE / Christiane LÖHR / Rita MAGALHAES



Jorge MAYET / MUNOZ & MARTIN / Paloma NAVARES / OUATTARA Watts / Jaume PLENSA / Fabrizio PLESSI



Bernardi ROIG / Eva SCHLEGEL /HIROSHI SHINNO / SON:DA / ANTONI TAPIES / BARTHELEMY TOGUO

Das Tandem son:DA zeichnet sich durch die Verwendung verschiedenster Technologien und Medien sowie einem neuen Zugang zu Gruppenarbeiten aus. son:DA ist in den Bereichen der Installationen, der Computerzeichnung und der audio-visuellen Leistung aktiv. Charakteristische Motive des Duos sind elektrische Kabel und der Rest der elektrischen Menagerie, wie Steckdosen, Telefone, Computer; kurz gesagt Elemente, die Anschluss und die Kommunikationsmethoden der modernen Gesellschaft darstellen.



Das Tandem son:DA kreiert Kunst mit Gegenständen, die sich entsprechend dem Bedarf des Projektes ändern. Durch verschiedenste Arten der Beteiligung erweitern sie den Begriff der traditionellen Autorschaft. Verunreinigung und Hybridisation sind sowohl in den einzelnen Prozessen sowie auf dem Niveau des Inhalts charakteristisch.



Ähnlich wie in den Filmen von Jacques Tati verwendet son:DA neue Ansätze, um die Ironie der modernen Gesellschaft neu zu beleben. So wie der Hauptdarsteller im Film „Mon Oncle“ sich in eine enormen Anzahl von Plastikschläuchen verwickelt, würde son:DA in ihren computererzeugten Zeichnungen eine Figur mit Kabeln verflechten. Das ganze dient zur Kritik an der Absurdität der modernen technologisierten Gesellschaft und seiner Entfremdung.



(Zdenka Badovinac _ MOMA.LJ)

The in 1968 in Düsseldorf born artist Claudia ROGGE concentrated herself intense and manifold with the relation between individual and mass over the last couple of years. Whereas in the course of globalization mass-production, mass-transport, and mass media entail standardization and uniformity rises parallel the individual necessity to distinguish oneself from the mass. The seemingly paradox phenomenons of individuality and mass-society are the main focus of Claudia ROGGES work.



The contemplator experiences the complexity of the theme and the imaginativeness of the artist by the diverse forms and strategies. Whether Claudia ROGGE formed people to uniformed, synchronized and static masses in her former works or if she makes her protagonists through masking to a roll carrier of society, she always creates an outstanding dynamic and a particular rhythm in her large-sized photographs.



Claudia ROGGE, who currently prepares a comprehensive solo exhibition for the Moscow Museum of Modern Art (MMOMA) to see from May 19th until June 28th, 2009, will show total new works to the subject of society/individual/mass in our gallery in Salzburg. Claudia ROGGE shows in her so called Schaumbildern (foam pictures) people “bathing in the mass” – who seem united but are isolated.

The fragile materiality of foam, the bubbles associate furthermore the fugaciousness and the displosion of hopes, dreams and in the end being itself. The actually daily delivered bad news about burst bubbles obtrude automatically.



With huge white bubbles act the protagonists in Claudia ROGGES photograph Blow up – everyone by oneself, imprisoned in ones own world but still part of the whole.

To quote Arstotle: The whole is more as the sum of its pieces.