Ist ANCA-SONIA von dieser Welt, ist sie von unserer Welt?

Auf jeden Fall bietet sie uns ihre eigene Sicht auf diese Welt, eine Welt, die sie im Einklang mit ihrer emotionalen und kreativen Sensibilität neu erschafft und gestaltet.

Es ist das Markenzeichen von Künstlern, das Universum zu poetisieren, und genau das tut ANCA-SONIA: Sie macht ein Gedicht aus unseren inneren und äußeren Landschaften. Der Dichter, vom griechischen „poeïos“, ist der Hersteller, der Handwerker, der Konstrukteur, der Erfinder, der Produzent.

In Wirklichkeit ist ANCA-SONIA von jeder Zeit und jedem Ort: In ihrem Werk dekliniert sich das Leben der Welt in Form eines ständigen Oxymorons durch: Die zeitgenössische Vorgeschich- te.

Ihre malerische Handschrift ist ein Weg des Lichts. Sie lädt uns zu einem Rendezvous mit

uns selbst ein. Mit ihren monumentalen Gemälden begleitet sie den Besucher nach „oben“... Man könnte auch sagen, den Zuschauer, denn die Künstlerin lädt uns mit ihrem meisterhaft lebendigen Werk zum Theater ein; eine Bühne, auf der sie ihre Rollen nach Themen auswählt, sich anpasst und sich bis in die Tiefen ihrer Kreationen einbringt, mit einer Anmut und einer Kraft, die sich durch ihr gesamtes einzigartiges Werk zieht, in dem alles im Gleichgewicht ist. Und da sie über die Leinwand hinaus Künstlerin ist und ein von Ästhetik und romantischer Poesie geprägtes Universum schafft, spricht sie nüchtern ein „La diapason“ aus... Ihr Werk ist eine Symphonie, und es spielt keine Rolle, wie ernst oder fragend die Tiere oder die gemalten und gemeißelten Wesen aussehen, denn am Ende ist es das Leben, das Licht, das über alles triumphieren muss...

Sie vertraut sich den Elementen an, so wie die Elemente sich ihr anvertrauen: eine interaktive Sublimierung, die aus ihren monumentalen, immens intimen, fleischlichen und ätherischen Gemälden, die von der Erde bis zum Himmel und umgekehrt reichen, überschwappt. Die Erde verstanden als das Fleisch des Lebendigen, Gaia „Mutter Erde“, Erde-Meer, und der Himmel als der verschwenderische Äther des fruchtbaren Regenwassers.

Wilde und zärtliche Auerochsen, beschützender Yak - erdverbunden und aquatisch -, ma- jestätischer Adler - durchdringender Blick, mächtige Flügel, Kraft und Sanftheit -, Duo-Stute und Fohlen mit Pfauenfedern - Metapher für ein pluralistisches Leben, das sich sanft von den Regeln des Lebens emanzipiert und sie neu erfindet. ANCA-SONIA sublimiert ihre monumen- talen, reliefartigen Leinwände wie Skulpturen-Tafeln mit einer organischen Materie, in der die Farbpigmente mit Gold dialogisieren, das kraftvoll, aber nicht protzig die Kostbarkeit des Seins beleuchtet, Tier im Menschen, Mensch im Tier.

Wie soll man auf die anfängliche Frage antworten: Ist ANCA-SONIA von dieser Welt, ist sie von unsererWelt?

Jeder hat seine eigene Entdeckung, sein eigenes Licht, wenn er im Laufe dieser außerge- wöhnlichen Ausstellung „Die fabelhafte Reise der ANCA-SONIA“ verfolgt.

Anca Sonia :

Malerin, Bildhauerin und Bühnenbildnerin, geboren 1969 in Bukarest - Rumänien, französische Staatsangehörigkeit. Als ehemalige Schülerin der Nicolae-Tonitza-Schule, der Nicolae-Grigore- scu-Akademie der Schönen Künste in Bukarest und der Villa Arson in Nizza beschäftigt sie sich seit mehreren Jahren mit ihrem Lieblingsthema

„Zeitgenössische Vorgeschichte“ in einer reichen und außergewöhnlichen künstlerischen Vielfalt: Zeichnung, Malerei, Skulptur.

Seit 1990 hat sie an vielen renommierten Orten, in Museen und auf internationalen Messen ausgestellt. Im Jahr 1993 gründete sie die Anca-Sonia Superior School of Fine Arts in Grasse, deren künstlerische und pädagogische Leiterin sie ist.

ANCA-SONIA malerische Signatur auf seinen Werken ist ein Weg des Lichts.

ANCA-SONIA, Künstlerin und Lehrerin, lädt uns zu einer Begegnung mit uns selbst ein. Mit ih- ren monumentalen Leinwänden begleitet sie den Besucher „nach oben“ ... Ich wollte eigentlich Zuschauer schreiben, denn es ist in der Tat das Theater, zu dem uns die Künstlerin mit einem meisterhaft lebendigen Werk einlädt; eine Szene, in der sie ihre Rollen nach Themen auswählt, sich anpasst, sich auf die Tiefen ihrer Kreationen einlässt mit einer Anmut, einer Kraft und immer dieser Achse der Reflexion, die sich durch ihr ganzes einzigartiges Werk zieht:Gleichge- wicht.Alles ist Gleichgewicht. Und da sie eine Künstlerin jenseits der Leinwand ist, komponiert sie ein Universum, das vom Ästhetizismus, der romantischen Poesie durchdrungen ist... Ihr Werk ist eine Symphonie, und was spielen die Minen für eine Rolle? ernste oder fragende Tiere oder gemalte und geformte Wesen, denn letztendlich ist es das Leben, das Licht, das über alles triumphieren muss... Zum Nachdenken.

An island is a real place and, at the same time, an ideal site. Island is a widespread motif in almost every culture, most often described as a special, out-of-this-world land. For how else such a place can be as long as it is surrounded by waters, since it is born of waters, confronting the waters. The references to the theme of the island are multiple: from the Greek Mythology’s Isles of the Blessed (or The Fortunate Isles), to the Arthurian legend of Avalon, from Hinduism’s idea of island as a symbol of (inner) peace, to the island as a heterotopia of deviance, as Foucault has put it, this time in the digital sphere.



All these layers of meanings are somehow present in Adrian Grecu’s islands, even if these cultural references do not appear explicitly. They don’t even have to! What emanates from Grecu’s images instead is the spiritual and symbolic dimension of the island as a kind of isolated reality, a magical world that is not necessarily true and, at the same time, a space for the manifestation of one’s own identity, of self-searching, the terrain of free expression of the imagination.



Adrian Grecu’s artistic imagination dwells in the digital space. And this for almost 30 years, since he is a veteran of digital art, at least in his part of the world. The motif of the island appeared in the ’90s when he produced the first CGI images. The island was then rather the sign of a critical attitude towards an alienating (post)totalitarian society, a representation of the isolation felt in relationship with a distant Europe then still defined on the ruins of the Iron Curtain. This first interpretation of the island – with the skeleton suggesting life and death, a sort of updated Vanitas – set an important precedent for his work, and not only at the discursive level. Adrian Grecu remained firmly committed to the digital, to 3D modeling, Augmented Reality and Virtual Reality interactions and applications.



The exhibition “Cyber ??Island”, constitutes an overview and a sort of fulfillment of this long-time preoccupations, both in terms of the symbolic and/or political references, and in terms of the visual approach and CGI techniques employed. This time, as the artist maintains, “the space has evolved towards organic, towards the vegetal, towards emphasizing details and fluid characters, similar to thinking processes, in a continuous, dynamic transformation.” Moreover, the element of time, present in the animations on the screens and in the Augmented Reality application which plausibly relates the physical object to the virtual world, gives the works not only the authenticity of the meeting with the viewer, but also the suggestion of a stream of consciousness.

Indeed, the subtle use of meanings beyond the appearance of things is one of the main preoccupations of the artist Adrian Grecu. This is how the central theme of the “Cyber ??Island” should be seen: a reference to the idea of ??journey, of search and experimentation, a reference to the creation of a (cyber)-place where the imaginary becomes possibility.



Curator: Horea Avram

Der Kunstmaler Stefan BEIU ist in Borcag, einem Dorf im Süden der Republik Moldova geboren. Er absolvierte die Hochschule der Bildenden Künste in Chisinau, der Hauptstadt der Republik Moldova. In sieben Jahren erlernte er das Zeichnen, Malen, Skulptur, Perspektive, Grafik, Kalligraphie und Kunstgeschichte parallel zu den klassischen Studien.

Im Jahr 1979 gewann er den Wettbewerb für die Académie des Beaux-Arts "Vassily Surikov" in Moskau. Er bietet den Workshop "monumentale Kunst" seit sechs Jahren an. Während dieser Zeit erstellt er mehrere Kopien von Gemälden großer Meister (Rubens, Rembrandt u.s.w) im Museum der Eremitage in St. Petersburg und dem Puschkin Museum in Moskau. Er wirkt auch bei der Instandsetzung von alten Ikonen und Fresken mit.

Nach dem Diplom mit dem Prädikat "Excellence" bekommt er einen Posten als Dozent an der Akademie der Schönen Künste in Moskau. Diese Position besetzt er zwei Jahre lang. 1988 ist Stefan BEIU zurück in Moldova, wo er an der Fakultät für Malerei des Instituts für Kunst in Chisinau doziert. Während dieser Zeit erstellt er eine Reihe von Gemälden und inspirierten Szenen mit rustikalem Stil und Symbolen.

Stefan BEIU verbindet alte Technik (Lasuren) und Moderne, er mischt Themen alter Gemälden oder persönliche Inspiration mit abstrakter Malerei, um so eine Harmonie von Techniken zu erzielen. Sein Thema ist immer ein Vorwand für den Ausdruck eines künstlerischen Bildes.

“An encounter is only the beginning of a separation”



Tony Capellan – Caribbean Contemporary Artist-







Caribbean contemporary art is neither wholly indebted to Euro-American artistic traditions nor without its modernisms alongside the contemporary. The group of artists presenting new media expressions [time-based, video, and digital imaging] is committed to making clear that critical narratives are shaped by playful constructions of different new ways of seeing in contemporary art.



Artists are always eager to experiment with new tools, so it’s no surprise that digital media can also offer a creative playground. The group of selected artists’ works parallel with other artistic media. [From painting and drawing to performance.] This New Media selection surveys how Caribbean artists explore digital possibilities and shape how we experience time-based and digital images. As with most fields of human endeavor, digital imaging and information technology have revolutionized art at so many levels that the digital is less a genre or medium than a methodological approach.



The group of Caribbean artists’ time-based works are fragments of memory, imagination, and personal experiences. They are presented as memory-making of the Caribbean as an archipelago and diaspora in shared relation. Caribbean communities are forged, often through artistic expression despite fragmentation and difference across language, geography, and history.



Each artwork draws on the personal and collective memory of multiple lived realities, histories, and art histories across the Caribbean and its diaspora.



Jorge Luis Gutierrez

This selected group of artists is the best definition of the diverse global geographies in a constantly changing world. By in large, the artists’ work, included in this exhibition, rather than analyzing, describing, establishing prefigured contexts, they create from their personal, historical, and cultural circumstances. As it emerges from diverse visions of the world, from their imagery and perspectives. The borderlines thus cease, creating an outstanding synergy of new cultural subjects, energies, and expressions, bursting forth from all sides without national or regional surnames.



The artists included: Isabel Gomez Liebre, Murtathada Al –Jassani, Anmol Mathur, Stefan Beiu, Alfredo Caballero, Anca Sonia, Tina Chirita, Francisco Gordillo, Oana Nelus, Alberto Fernandez Reyes, Miguel Pavel, Lala Rahim, Peter Hillert, Radu ?erban and Dasha Eremeeva.



The eclectic and asymmetric display of artworks is based upon the vision that contemporary art of post-pandemic times does not necessarily depend on the gracious acceptance of Western art patterns. But on complex processes of alternative subjectivities, diverse expressions, and stroke of senses from memory, imagination, and personal experiences.



This exhibition at the heart of Karlsruhe is the departure of an amazing cultural journey. It is by bringing together artists creating moments of shared visions and embracing dialogues. As it will perhaps serve to envision that the beauty of difference is a gesture of affirmation of the universal condition of all humans.